instalaciones de desert X incluyen escaleras de sol, obras de arte AR, y una bandera hecha de humo

En 2017, el valle de Coachella del sur de California acogió la edición inaugural de Desert X –una exposición de arte contemporáneo específica del sitio que contó con obras de Doug Aitken y Phillip K. Smith III. Ahora, el evento ha regresado para su segunda edición, que comprende una nueva serie de instalaciones que permanecerán a la vista en el desierto hasta el 21 de abril de 2019. Como parte de la exposición, Sterling Ruby ha establecido una estructura monolítica de color naranja neón en el paisaje árido, mientras que Julian Hoeber ha diseñado un pabellón inspirado en la cinta mobius. Lea más sobre algunas de las otras instalaciones de Desert X a continuación.

John Gerrard, bandera occidental (Spindletop, Texas) 2017, 2017-2019
imagen principal y video por Lance Gerber | todas las imágenes cortesía de Desert X

El artista irlandés John Gerrard es conocido por crear imágenes simuladas en tiempo real frente a paisajes austeros. Utiliza este enfoque para transmitir mensajes de cómo funciona el poder en la sociedad, exponiendo las intrincadas estructuras y las redes abrumadoras que dominan la cultura de masas. Situado en la puerta de entrada a Palm Springs y el valle de Coachella, la bandera occidental (Spindletop, Texas) representa el sitio del Lucas Gusher, el primer gran hallazgo de petróleo del mundo (en 1901), ubicado en Spindletop, Texas, ahora estéril y agotado. El trabajo es un duro recordatorio no solo de la explotación deliberada y el agotamiento de los recursos, sino también de la energía tomada para devolver la tierra abandonada a su estado actual de habitación artificial.

SUPERFLEX, dive-in, 2019
imagen de Lance Gerber

SUPERFLEX es un colectivo de artistas formado por Jakob Fenger, Rasmus Nielsen y Bjørnstjerne Christiansen que crea proyectos destinados a ser utilizados activamente. Esto alienta a las comunidades a participar en los proyectos y a seguir desarrollándolos para modificar sus contextos socioeconómicos. Al repensar la arquitectura desde el punto de vista de la futura inmersión bajo el agua, SUPERFLEX buscó crear una forma terrestre que fuera igualmente atractiva para la vida humana y marina. 

SUPERFLEX, dive-in, 2019
imagen de Lance Gerber

Con el título “dive-in”, la instalación fusiona el reconocimiento de que el calentamiento global cambiará drásticamente el hábitat de nuestro planeta con otra extinción más reciente: el cine al aire libre. Aquí los intereses de los habitantes del desierto y la vida marina se unen a manera de coral con paredes y proyecciones semanales de una estructura nacida de un pasado profundo y un futuro poco profundo.

Iván Argote, a point of view, 2019
imagen de Lance Gerber

Iván Argote es un artista colombiano asentado en París que crea instalaciones, esculturas y películas que exploran las relaciones entre la política y la historia que construyen nuestra vida pública y personal. Bajo el título “A point of view”, la escultura interactiva se ha instalado en una elevación por encima del mar salado –el cuerpo de agua artificial que ha sido el lago más grande de California durante el siglo pasado. Las escalas de concreto situadas cerca de la costa norte del mar proyectan al espectador en el paisaje. Los mensajes en concreto aparecen en español e inglés en cada paso. 

Iván Argote, a point of view, 2019
imagen de Lance Gerber

Las esculturas temporales se asientan en una cuenca donde el antiguo lago Cahuilla una vez engulló un horizonte paleolítico antes de su recesión final en el suelo del desierto en el 1600. Según el artista, las esculturas ensambladas funcionan como relojes de sol que representan el tiempo en fragmentación. Desde las plataformas la audiencia puede comunicarse entre sí o dirigirse al vasto paisaje.

Cara Romero, Jackrabbit, Cottontail y Spirits of the desert, 2019
imagen de Lance Gerber

Cara Romero es un ciudadano de la tribu Chemehuevi y artista con sede en Santa Fe, Nuevo México. Su trabajo es una respuesta a los acontecimientos y problemas actuales en el país indio. Su fotografía digital examina la vida indígena a través de una visión contemporánea, ofreciendo una comprensión compleja de la vida nativa de hoy, donde las mujeres a menudo toman el centro del escenario. La nueva serie fotográfica de Romero, Jackrabbit, Cottontail y Spirits of the desert, responde a las tierras ancestrales de los Cahuilla, Chemehuevi, Serrano y Mojave. Estas imágenes cuentan con cuatro visitantes especiales que viajan en el tiempo de Chemehuevi que han llegado a las tierras ancestrales de sus tribus hermanas en el valle de Coachella. En la visión de Romero, estas pequeñas pero poderosas figuras han regresado para recordarnos nuestras profundas conexiones con la tierra, las historias contenidas en ella, y cómo podemos vivir en relación con ella.
Nancy Baker Cahill, Revolutions, 2019
imagen de Lance Gerber

Nancy Baker Cahill es una artista asentada en Los Ángeles que utiliza el dibujo, el video, el sonido original, y la realidad aumentada y virtual (AR y VR en inglés) para enmarcar el cuerpo como una abstracción complicada, y sitio de lucha y resistencia en curso. La artista ha creado dos piezas en lugares distintivos cerca de los polos extremos del valle de Coachella. Al norte, cerca de las granjas de molinos de viento, Revolutions (se muestra aquí) alude a la captura de energía, que necesitamos para remediar una crisis provocada por el hombre. La experiencia impulsa a los espectadores a reflexionar sobre su propio cuerpo dentro del espacio y el entorno del paisaje, empequeñecido por la escala gigante implícita de la obra digital. 

Julian Hoeber, Going nowhere pavilion #01, 2019
imagen de Lance Gerber

Julian Hoeber es un artista de Los Ángeles cuya práctica se mueve fluidamente entre la pintura, la instalación, el dibujo y la escultura. Hecho de bloques de concreto en una variedad de rosados carnosos y marrones, yendo a ninguna parte pabellón 01 (breeze block, ben-day dot, coleseum, möbius strip, thought problem) se inspira en la cinta möbius. Técnicamente, la cinta es una superficie con un lado continuo formado por la unión de los extremos de una tira rectangular, pero tiene una relación directa con los métodos de la psicología. Al igual que con la forma de la cinta möbius, lo que está dentro y fuera del ser puede convertirse rápidamente en indiscernible. Lea más sobre la instalación en designboom aquí.

Kathleen Ryan, ghost palm, 2019
imagen de Lance Gerber

Kathleen Ryan crea obras escultóricas a gran escala a menudo hechas con materiales industriales pesados como metal y piedra –materiales artificiales esculpidos para imitar formas suaves y orgánicas de la naturaleza. La ghost palm es un eco de una forma natural –una meticulosa reconstrucción de la más grande especie de palma nativa de California, la washingtonia filifera (palmera del desierto). Enclavada en una trama de desierto bajo, entre la premonitoria falla de San Andrés y una línea de tamariscos, la Ghost palm es una manifestación de la fascinación de la artista con el tenue equilibrio entre fragilidad y poder puro. Erigiéndose más de 20 pies, la versión de Ryan de esta icónica palma está construida con materiales artificiales: acero, plástico y vidrio.

Postcommodity, It exists in many forms, 2019
imagen de Lance Gerber

POSTCOMMODITY es un colectivo de arte interdisciplinario compuesto por Cristóbal Martínez y Kade L. Twist. El proyecto del dúo, it exists in many forms, surgió de conversaciones profundidad entre los artistas y los propietarios de casas de mediados de siglo en Palm Springs. La instalación es un trabajo de sonido inspirado en estas conversaciones e instalado en una casa, específicamente en la casa de Walter White. La obra busca amplificar sensaciones complejas que intentan intimar el desierto como elemento de diseño y objeto de atracción. 

Eric N. Mack, halter, 2019
imagen de Lance Gerber

Eric N. Mack es un artista de Nueva York. su trabajo, que se basa en la escultura, la pintura y la moda, utiliza la tela como una forma de explorar el potencial de la experiencia estética. Usando el sitio de una gasolinera desaparecida en el borde del mar salado, el artista emplea su lenguaje distintivo de material como gesto para crear una arquitectura viva. Las sedas y tules se han estirado con cuerda tensada para formar una línea en el espacio, o para replantear la relación del edificio consigo mismo y su entorno. El garaje del sur de California, cubierto y reanimado como una escultura específica del sitio, trae algo singular a un lugar natural ya llamativo.

Mary Kelly, peace is the only shelter, 2019
imagen de Lance Gerber

Mary Kelly, desde la década de 1970, ha creado un trabajo que elimina los principios conceptuales de los códigos de representación dominados por los hombres. Un largo período de investigación llevó a Kelly a reutilizar el activismo por la paz de la era de la Guerra fría, en este caso la huelga antinuclear por la paz (WSP en inglés), formada en 1961. Este grupo feminista inició cabildeos, peticiones, vigilias y estratagemas demoníacas contra las pruebas nucleares. Una característica central de la intervención pública de la artista es el llamado Doomsday clock, cuyas manecillas se acercan a la medianoche a medida que el militarismo aumenta y la humanidad se acerca más a la autodestrucción. La alegoría en paz es que el único refugio es remodelado como un refugio de autobuses, en sí mismo un horario representativo.

Armando Lerma, visit us in the shape of clouds, 2019
imagen de Lance Gerber

Armando Lerma a menudo utiliza el arte público para reflexionar sobre las realidades banales del lugar y la sociedad. Aprovecha las conexiones ancestrales para abordar las disparidades entre las condiciones de lugar y las circunstancias sociales. El mural de Lerma, visit us in the shape of clouds, incluye varias imágenes del suroeste americano y más allá como serpientes, aves, loros, peces, monos, conchas marinas, plantas, flores y arte rupestre. Seleccionó estas imágenes para ilustrar una historia de migración y lo transitorio.

Cecilia Bengolea, mosquito net, 2019
imagen de Lance Gerber

Cecilia Bengolea es una artista argentina de performance y video asentada en París que se centra en las formas de danza antropológica y urbana y su relación con la naturaleza, los elementos y la figuración. La pieza de performance de Bengolea, mosquito net, no es una búsqueda de la belleza universal de la naturaleza, sino más bien una exhibición de danza social callejera para invocar el espíritu de los animales y la naturaleza. Esta pieza es una reflexión de cómo los humanos y los animales (reales e imaginarios) se observan unos a otros. Bengolea incluye poses de baile reales de sus actuaciones establecidas, donde ella y bailarines de Jamaica expresan animales a los que se sienten conectados.

Steve Badgett & Chris Taylor, terminal lake exploration platform (TLEP)
imagen de Lance Gerber

La Terminal lake exploration platform (TLEP en inglés), alimentada con energía solar, explora cuerpos de agua remotos. Empleada por primera vez por el artista Steve Badgett y el arquitecto Chris Taylor para explorar el gran lago salado (en colaboración con el centro de interpretación del uso del suelo) la plataforma tiene un diseño modular que maximiza la capacidad de despliegue en condiciones inhóspitas y cuerpos de agua inaccesibles. Este laboratorio flotante, con el soporte vital necesario y la infraestructura de investigación, se centra en los lagos terminales. TLEP analiza estos tipos particulares de lagos precisamente porque contienen rastros ambientales excepcionales, ejemplificados por el mar salado, que ha recogido décadas de escorrentía agrícola, lo que resulta en un ecosistema particularmente estresado. 

Sterling Ruby, SPECTER, 2019
imagen de Lance Gerber

Sterling Ruby es un artista con sede en Los Ángeles que utiliza una variedad extrema de medios, produciendo trabajos que van desde prístinos a desfigurados, mínimos a caóticos. El monolito naranja fluorescente de Ruby, SPECTER, se muestra como una aparición en el desierto. La escultura brillante y geométrica crea una ilusión óptica discordante, que se asemeja a una composición en Photoshop o a un collage, como si algo se hubiera eliminado o borrado del paisaje. El bloque actúa como un cifrado o sustituto, imitando la forma en que podría ser un contenedor de transporte, un búnker militar, un objeto no identificado, una casa abandonada. El naranja fluorescente se utiliza tradicionalmente para la seguridad, como una advertencia. Aquí esa lógica se invierte: un objeto fantasmal, apartado del entorno natural, escondido a plena vista. Lea más sobre el proyecto en designboom aquí.