una mirada a través de la lente imaginativa de rob woodcox

se necesita una vívida imaginación, una cuidadosa ejecución creativa y la colaboración de la comunidad para realizar la poderosa y conmovedora fotografía de rob woodcox. aquí, en esta extensión onírica que mezcla la realidad con la fantasía, el paisaje, la naturaleza y la conexión humana íntima, woodcox busca contar una historia significativa a cada individuo que la ve. el artista se ha hecho muy famoso por su trabajo con bailarines, especialmente en el minucioso montaje de sus cuerpos para formar elaboradas y fantásticas escenas. con un énfasis en la exclusividad, los derechos humanos, el cambio medioambiental y la identidad personal, woodcox explora la belleza de los seres humanos que viven en armonía con los demás, y el mundo que les rodea. «mi trabajo creativo se centra en explorar las intersecciones de las interacciones humanas y medioambientales», dice a designboom, y «descubrir cómo esas relaciones pueden elevarse y celebrarse para crear una sociedad más inclusiva y sostenible».

‘viaje en el tiempo’

el artista, que actualmente vive entre méxico y estados unidos, ha llevado su objetivo desde las salinas rosas hasta los lagos de montaña de color azul intenso y los recovecos de un cañón de color naranja quemado para capturar la intimidad, la comunicación y la conexión humana. cada concepto es una declaración de su experiencia, y su pasión por la fotografía se ha convertido en una dedicación a la defensa: ha producido proyectos que van desde el sistema de acogida de estados unidos y la adopción, hasta la igualdad racial y la justicia medioambiental.

en una conversación con designboom, rob woodcox profundiza en los aspectos de su infancia que moldearon sus principios creativos, habla de su trabajo con bailarines y de cómo su colaboración mejora la historia que se cuenta, y comparte las fascinaciones que actualmente alimentan su trabajo.

‘árbol de vida’

designboom (DB): ¿qué aspectos de tu formación y educación han conformado sus principios y filosofías creativas?

rob woodcox (RW): nunca estamos solos; adoptar una mentalidad y una práctica comunitarias ha lanzado mis esfuerzos creativos más alto de lo que nunca imaginé que podrían alcanzar cuando empecé. fui adoptado y me crié como el menor de cinco hijos, así que por naturaleza aprendí a crear un espacio para mí mismo, al tiempo que absorbía la sabiduría y las acciones de mis hermanos mayores. desde muy joven, me sentía cómodo en una habitación con cualquier tipo de persona, de hecho, generalmente me sentía más inclinado a hablar con la gente cuando era bastante diferente a mí. los viajes al extranjero y costosos eran un lujo, no fácilmente disponible para una familia de siete, así que alternativamente tomamos muchas vacaciones en lugares basados en la naturaleza — acampando y haciendo senderismo en lugar de descansar en hoteles. estoy muy agradecido por la gran cantidad de tiempo que pasé conectado a los espacios salvajes cuando era niño. creo que es lo que unió mi amor por la forma humana con los paisajes, que ahora está muy presente en mi trabajo. desde mi temprana fascinación por los viajes y la exploración de otras culturas hasta mi realidad actual de vivir en el extranjero, mi trabajo creativo se centra en explorar las intersecciones de las interacciones humanas y medioambientales y en descubrir cómo se pueden elevar y celebrar esas relaciones para crear una sociedad más inclusiva y sostenible.

‘la montaña’

DB: ¿qué fue lo primero que te atrajo de la fotografía, y cómo ves la evolución de tu trabajo desde entonces?

RW: la fotografía comenzó como una fascinación por la tecnología y el proceso; desde la infancia, tenía cámaras desechables en la mano, pero nunca pensé en la fotografía como una forma de arte o de artesanía hasta el final de mi adolescencia. fue en mi primer año de universidad cuando me sentí atraído por trabajar con una cámara más robusta y aprender cómo los ajustes funcionaban al unísono para crear una fotografía intencionada. empecé a trabajar con película de 35 mm y a revelar los negativos y las copias yo mismo en el cuarto oscuro. a medida que exploraba, empecé a relacionar mis propias imaginaciones de desarrollo interno con el proceso de las escenas que se revelaban en los papeles empapados de productos químicos en el cuarto oscuro. al principio, no tenía ningún concepto de la luz, la composición o el estilo, simplemente tenía ideas que sentía que tenía que plasmar en el papel. el proceso fue una catarsis en su máxima expresión, y continué creando con cámaras digitales SLR, enamorándome de la gratificación instantánea que me permitía procesar mis ideas y conceptos más rápidamente. desde el principio, intenté contar historias con mis retratos y, con el tiempo, se hicieron más grandes, más surrealistas y más coherentes técnicamente.

‘unidad’

DB: ¿qué te atrae de trabajar con bailarines y cómo su movimiento te ayuda a expresar tu visión?

RW: aprecio el duro trabajo y el entrenamiento que realizan los bailarines a lo largo de muchos años para convertirse en expertos en dar forma y mover sus cuerpos. la danza es una de las formas de arte en las que más me inspiro porque consigue la forma de expresión más innata y humana. cuando imagino conceptos surrealistas, a menudo implican poses y formaciones exigentes por parte de los sujetos, por lo que los bailarines se convierten en los recipientes perfectos para colaborar y crear la visión final. trabajo con todos los cuerpos y expresiones dentro de mi arte y, por ello, he explorado la posibilidad de trabajar con varios bailarines e intérpretes formados en ballet, hip-hop, danza moderna, contemporánea, vogue/salón de baile, acrobacia y formas tradicionales de danza indígena. me encanta explorar cómo nuestras visiones complementan y elevan el argumento que se cuenta.

‘arco humano’

DB: desde el punto de vista técnico, ¿cómo es el proceso de producción y qué relación tienes con tus sujetos?

RW: gran parte de mi trabajo es personal, por lo que a menudo estoy creando enteramente con amigos y personas de mis comunidades creativas extendidas por todo el mundo. cuando trabajo en producciones más grandes o comerciales, también contrato a personas de mi comunidad, por lo que se siente como una experiencia sinónima. la principal prioridad es que creo entornos seguros y de apoyo para todos mis co-creadores. conceptualizo, produzco, dirijo y edito cada pieza, y traigo colaboradores como maquilladores, peluqueros, estilistas de vestuario, pintores corporales, artistas de instalaciones, etc. la mayor parte del tiempo se dedica a la preproducción: reunir el reparto y la localización, organizar el transporte y llevar el equipo al rodaje. trabajo rápidamente en el plató y me baso en los entornos existentes o en los acuerdos de estudio con un equipo, por lo que el propio rodaje suele ser la parte más rápida del proceso. al final de cualquier producción, quiero que todos los implicados sientan cierto nivel de propiedad y orgullo por el trabajo que hemos creado juntos; en una industria que a menudo se centra en la exclusividad, quiero abrir mi proceso creativo a las personas que apoyan mi trabajo.

‘NY state of mind’

DB: recientemente has publicado un libro. ¿cómo caracterizas las imágenes incluidas en «cuerpos de luz»? ¿hay un hilo conductor que sustente tu trabajo en general?

RW: «cuerpos de luz» es un momento muy emocionante para mí, ya que engloba los primeros diez años de mi trabajo, con fotografías que se remontan hasta 2012. está organizado temáticamente con poesía que escribí para introducir cada sección. hay un hilo común de color, humanidad e imaginación en todo el libro que recibe al espectador en un viaje de muchos personajes que parecen proceder del mismo universo creativo y narrativo. aunque puedo ver cambios estilísticos muy claros en mi obra a lo largo de la última década, mi equipo editorial y yo dedicamos más de un año de trabajo a organizar un libro que fluye sin problemas y deja al espectador con ganas de más. desde las salinas rosas hasta los lagos de montaña de color azul intenso, pasando por los recovecos de un cañón de color naranja quemado, la belleza de los seres humanos que viven en armonía con el mundo que les rodea nos invita a considerar nuestra propia presencia en este planeta y la naturaleza a la que todos tenemos el poder de acceder y conservar.

‘ascenso al cielo’

DB: ¿sobre qué temas esperas que tu obra provoque un debate?

RW: espero que las personas que vean mi obra se sientan validadas, esperanzadas y curiosas sobre algo que va más allá de su propia realidad. tanto si se trata de temas relacionados con los derechos humanos, el cambio medioambiental o el cuidado personal y la identidad, espero que las personas se sientan menos solas al debatir estos temas. en todas mis publicaciones en las redes sociales y en las exposiciones físicas de mi obra, hablo de temas que presionan actualmente a nuestra sociedad, así que para cualquiera que me siga con regularidad, aprecio sus contribuciones a las conversaciones y tengo esperanzas de cambio gracias a ustedes. En este momento, lo que más me apasiona es hablar del medio ambiente y de cómo nuestra implicación debe cambiar rápidamente; de los problemas de los negros, los indígenas y las minorías en estados unidos y en todo el mundo, que a menudo giran en torno al acceso económico, la educación y la diversidad dentro de esos ámbitos; y de los derechos de los LGBTQ+ en una época en la que su existencia sigue siendo ilegal en más de 70 países y está muy estigmatizada en todo el mundo.

DB: ¿qué es lo que te fascina actualmente y cómo se refleja en tu práctica artística?

RW: actualmente me fascina el amor y todas sus iteraciones, ya sea en relación con uno mismo, con las relaciones platónicas o con las románticas. me encantan los límites de la intimidad, la comunicación y el modo en que, al privarnos de la necesaria conexión humana, COVID ha abierto potencialmente una puerta para un contacto y un afecto más profundos en todas las formas de relación. en los últimos seis meses he estado explorando una serie de amor queer en medio de otros proyectos, y los escenarios más genuinos y crudos me han abierto más y más a perseguir el cine pronto. he pasado los últimos años construyendo decorados más grandes y dramáticos, y a través de la exploración de entornos más cercanos y detallados recientemente, creo que estoy más preparado para utilizar ambos conjuntos de habilidades en el desarrollo de visuales robustos en movimiento.

‘tetris humano’

DB: ¿cuál de tus proyectos te ha dado más satisfacción personal?

RW: la mayor parte de mi trabajo implica un elemento personal, y por esa autonomía como artista estoy agradecida. algunas de mis primeras series de trabajos que se enfrentan a mi adopción y trabajo en el sistema de acogida, y también mi proceso de salida del armario, me dan la satisfacción personal más directa. esas dos series fueron los cimientos de la exploración de mi propia identidad, que me han dado libertad para explorar temas más universales que nos conectan a todos. disfruto mucho de todo mi trabajo y de la comunidad que construyo continuamente a través del proceso creativo. creo que, en este momento, la satisfacción personal de mis proyectos artísticos proviene de las conexiones directas que establezco a diario con otras personas y del estilo de vida de creación y debate que hace progresar constantemente el cambio en el mundo que me rodea. vivir tan inmerso en el momento me permite prestar atención a los detalles, a las perspectivas de otras personas y reevaluar constantemente lo que sé que es cierto. con eso en mente, consigo vivir a través de las experiencias de los demás y me siento realmente conectado con cualquier resultado al que nos enfrentemos colectivamente.

‘creación espontánea 1’